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历史上，真实的画家王玉珏是怎样的一个人
王玉珏先生，画家、岭南大家、岭南画派第三代代表人物、艺术家。
广东的生活是一种亚热带气候，植物、多方面都非常的茂盛，而且种的蔬菜各方面都很多，所以在这里生活就是一种很美好的感觉。那我们作为画画的，就更是希望自己在这个地方去感受、去体验一些你所喜爱的东西、喜爱的生活、喜爱的人。所以自己的画，都产生在这片土地上。所以对这片土地产生了浓厚的感情和兴趣。
“我爱养育了我近三十年之久的珠江三角洲，对三角洲农村的景象有着浓烈的兴趣，我的大多数作品都产生在这片富饶的土地上……”——王玉珏
笔墨当随时代、当根植风土，这是岭南画派的画家们心领神会的约定。作为岭南画派第三代代表人物，这个特点也贯穿在王玉珏先生一生的创作体验中。王玉珏先生主攻工笔重彩人物画，数十年来她独一无二的画风和作品、鲜明的个性一直走在时代的前沿、给充斥着帝王侍女的中国传统的工笔重彩人物画注入了一股清雅现代的风范，她的作品自有女性艺术家那种细腻和温婉的画貌、又不失岭南画派那种特有的丰富和生动。这张画是自己在珠江三角洲去采风，和我们很多画家一起去斗门，我们非常高兴，在那里摘了一些荔枝，就一边吃一边说笑，这些农村的妇女小孩都围着我们看，就好像看新鲜似的，我们也感觉到非常新鲜的在那里吃，旁边还有小狗在那儿跳来跳去、非常热闹。在吃荔枝的时候自己就想，要我的儿子来多好，也能在这树底下来尝荔枝。回到住地，自己就很想把这个场景把它画出来。因为荔枝很红、很立体，你不把它画红了又不像荔枝;要是把它画红了，那这张画面火气就很难看。那自己要把它画到恰到好处，不能够不像荔枝、也不能够抢了主要角色的镜头，因为中国画只能加不能减，你画上去是什么就是什么，你不能像油画把它刮掉再来，不行，所以画了第二张的时候稍许好一点，这个第三张才画出自己心中应该感觉得比较满意的这张画。柳礼桂说:“她这种的格调，自己觉得就跟她的为人一样，她绝对不是浮躁的、是一种很高雅的，她画的画你就在她面前感觉到很耐看，也可以看很久。”卢延光言:““自己看她的风格，应该是岭南画派很特殊的样板，她继关、黎以后，杨之光以后又一个高峰，所以在看来她那种东西是唯美主义的，她也用比较现代和古典结合起来一种唯美主义，所以这是她成功之处。”
王玉珏与绘画结缘是在1955年，这一年十八岁的她被中南美专附中录取，1958年中南美专南迁广州，王玉珏成为广州美院中国画系的本科生。在这里，她正式接触了中国传统绘画中的革命派:岭南画派。岭南画派是海上画派之后崛起的最成体系、影响最大的一个画派，这一画派是在西方艺术思潮的冲击下、近代中国艺术革新运动中逐步形成的。岭南画派注重写生、融汇中西绘画之长，以革命的精神和强烈的时代责任感改造中国画，并保持了传统中国画的笔墨特色，创造出有时代精神、有地方特色，气氛酣畅热烈、笔墨劲爽豪纵、色彩鲜艳明亮、水分淋漓、晕染柔和匀净的现代绘画新格局。在广州美院，王玉珏有幸在当时岭南画派第二代传人关山月、黎雄才指导下学习，刚一进校门、她就体会到了岭南画派兼容并包的博大情怀。在考到美院的时候，那时候还有交心运动，就是自己当时在那里就说了，自己说我不是广东人，我是北方人、到这里来学，你们都是广东的，而且是岭南画派的，会不会我这个北方学生就不愿意教自己呢，什么什么的、自己就这么说。后来关老和黎老都是说，只要你肯学、只要你刻苦学，我们什么都教你。这句话给自己真是很大的鼓舞。关山月师承岭南画派奠基人高剑父，尤擅山水、花鸟，他和傅抱石先生在1959年所绘的巨幅壁画《江山如此多娇》、至今仍然悬挂在人民大会堂迎宾厅，他的《绿色长城》是美术界津津乐道的西画和中国画传统结合的典范，而他的《俏不争春》则是以花鸟画表达热情活力等精神力量的范例。自己在学生的时候我们看他画《红梅》，那时候不是所有的人都能随便去看的，他就让我(他)们这个班去看，那画没有那么大的墙、就铺在地上画。他的画就简直像在那打仗似的那么画，我们就在旁边看、一句话都不敢说，就看他画。当时我们画画都是用铅笔，后来他不主张我们全部都用铅笔，还是要用毛笔，用毛笔直接来画速写，铅笔它可以修改、拿个橡皮可以擦掉重新来;但是毛笔下去了，就不可以修改，就必须练你的观察和手的准确度。黎雄才也是岭南画派最有影响的传人之一，擅长巨幅山水，评论界将他命名为“黎家山水”，其中三十年代初作品《潇湘夜雨》获比利时国际博览会金奖。1954年创作的《武汉防汛图卷》被美术界赞为“抗洪史诗”，在不知不觉间、王玉珏已经融入到岭南画派的精神世界。
自己的老师关山月、黎雄才先生他们都是岭南画派的，岭南画派他们对外来的东西他们是不拒绝的。岭南画派的创始人高剑父先生他就是支持孙中山先生辛亥革命的，他在运用到绘画上他是既尊重传统，又不反对吸收外来的东西，注重写生、注重生活，这一点他们也是做得很到位的，所以自己也接受了这方面的影响。岭南画派它也不要求学生一味的像老师，而自己画自己的画、画自己心中最美好的画。
在两位岭南画派巨擘指导下学习，王玉珏的艺术领悟也在这片红土上生根发芽。1963年，一幅《山村医生》将26岁的王玉珏一下子推到了中国美术界的前沿。这里是距广州150公里的平沙农场，当时49年前王玉珏就是在这儿找到了《山村医生》的创作灵感。1963年的时候就下到平沙农场，为什么去平沙农场呢，那时候刚好是知识青年到农村去、到祖国最需要的地方去、去建设祖国边疆这样的号召。“当时我们在这里围垦的那时候呢、住的那个那些茅草屋和树皮房，这种树皮房就是当时知青、这个房子可能是小了一点，再长一六一六的就都是住在这样子的房子里。住在这样子的房子里头睡醒了就起来拿了工具就上工地了、上完工地了，那时候连这个水都没有的，都是烂泥地、都是那个海滩，弄完了以后浑身都是泥、都刺破了了。”“我们刚开始围垦出来的那些东西、那些地方就种甘蔗，种完了甘蔗长出来的甘庶大家很高兴、就砍下来吃、一吃一咬很咸的。哎呀，甘蔗怎么是咸的呢，因为这个地是海滩冲击的那个海滩把它围了来种的，结果种出来种出来了它上面的东西(咸的)。”
这些都是他们在围垦的现场工地上头画的速写，就是这些知青和当地的一些农场的工人们一起在围垦的一些景象，看到了一个卫生员、那时候白天跟着大家下田、晚上要给大家看病，大家多数都是那个脚被刺伤了，因为那海边的植物都是有刺儿的，刺伤了回来要擦药。这个卫生员就把一天的工作做完了以后、人家休息了，她还要在灯下撵棉签。这些山村的医生们一个是药箱、一个马灯、一个草帽或者说雨伞，这些都是必备的，因为她经常要到外面去、给人家看病就医。自己把这个情景、把这些东西元素都加进去，而且自己想画这个时代的人，自己不想把她画成一个古典工笔画，自己是想表达当时这个时代的一个让我们很热爱的一个山村医生的形象，所以自己这样子用工笔画、工笔重彩画的形式，而且都采取了放一点的形式来把它来完成。《山村医生》采用传统的中国工笔画的形式来表现当时当代的人物，这在当时画坛极其罕见。1964年，关山月先生看到了王玉珏的这幅《山村医生》非常激动，随即将这幅学生作品连同另一幅画《农场新兵》一起推荐到了北京参加美展，受到了很多专家的认可。《人民日报》、《人民画报》和很多美术画刊纷纷刊登，作品还被送往日本、德国、法国、美国等国家展出，引起了轰动，被称为中国传统工笔人物画表现现代生活题材的重大突破。卢延光说:“《山村医生》那幅作品对我们震动很大，因为之前，50年代60年代之前那个人物画还没有人画成这样的一种很新的、很有现代意念的一个国画，所以我们看了很新鲜。”李劲堃言:“她采用对一个乡村医生很恬静的一个侧面，没有用当年那种高大的那种去诠释的这种方式，自己认为有一个艺术家跟女性艺术家那种能够洞察到那个描绘对象的温情的一方面。如果一个人对于一个救死扶伤的人他内心都没有一个足够的平和的话，自己认为他是做不好这份工作的”。卢延光讲:“岭南画派成功之处就是吸收外来的东西变成自己的东西，所以王玉珏老师是那个人的一个典型。她的典型就是大家还没有这个觉悟的时候她走了先了、走前一步了。”
1964年，王玉珏由于成绩优异、留校任教，就在他即将迎来艺术上的蓬勃春天之时，为期十年的文化大革命拉开帷幕。王玉珏的恩师关山月和黎雄才等一辈老艺术家首先被卷入了这场风暴。我们被围攻，甚至我们写出来了一个大字报，反对他们搞牛栏，反对他们把老师都搞到牛栏里头去批斗，我们去劝阻的时候，他们就说你要再搞、把你的头也剃掉，就这样，后来我们几个年轻老师把那个大字报贴到校园的最显眼的大门口的地方，然后我们就一个一个的走出了校门、去长征了、去到延安、去奔向延安了，一路上我们还是在宣传，要文斗不要武斗。从广州到延安再到北京，王玉珏的长征之路充斥了斗争、革命，但是唯独缺少了笔墨纸砚。没有时间作画了，谁画画、差不多是“反革命”似的。1968年，王玉珏被下放到农场和五七干校进行劳动改造，从1964年开始王玉珏没有机会画画，再次拿起画笔已经到了1971年。1971年的时候就把她调出来了，因为各个美术院校、美协学校都瘫痪了、都不能运作了，就挑一些人到省里成立一个创作室，把一些在创作上有成就的人，像关老、黎老这些都调出来了、自己也出来了，就在那里搞创作。当自己再拿起画笔来画的时候、自己一样要按照自己原来的理念来反映生活，所以这样子后来的作品才一个一个不断的出现。
《冉冉》实际上是画的自己的儿子，表达一种母爱，想把他画出来，就是孩子躺在那里、对着母亲，不会说话，但是眼神各方面可以得到爱的交流的这种感觉。因为小孩他是很娇嫩的，自己所采用的线条、笔法也是用得非常非常细的线条，来表达一种对这婴儿的一种爱。上世纪七十年代王玉珏用女性特有的细腻笔触刻画了《冉冉》这一可爱的婴儿形象，这在充斥着文革后残余的阶级斗争思想和伤痕文学的画坛又属于特立独行，虽然这幅画在第七届全国美展上获得了银奖，但是却引起了很大的争议。
觉得这么弱的一个婴儿，都能给她一个奖，就很不理解。但是他没有想象自己希望给人带来的是新生、是希望，自己不希望人们再继续的伤痕下去、再继续的斗争下去，自己希望人们能有更美好的希望。
如何通过一幅画来表达对母亲的爱
世界上的母亲千千万万。在每一个子女的心目当中，自已母亲都是最好最好的！如果写文章的话，个个都会写自己的母亲是世界上最慈祥的，最善良的。最吃苦耐劳的，也是最爱自己的，很少有人把自己的母亲说的一塌糊涂。的确如此，可能有的母亲在为人处事方面和妯娌之间，和邻居之间，和外人之间相处的不会和谐，可能给人感觉的印象不好。但大多数母亲一般对自己的亲生子女都会是一种最善良、最慈祥、最疼爱……
从艺几十年来也画过不少关于母爱的油画，水彩画，水墨画。但都不是感觉到很理想，很难达到自己心目中对母亲的那种勤劳善良，劳作的那种感受，近几年画了一组水墨大写意人物，想表现母亲那种勤劳，善良的形象……
《知否》明兰啥也没说，只给林噙霜带去了一幅画，她怎么就死了
在墨兰出嫁之后，林噙霜被带到家祠一顿板子后，又丢到了偏僻的山庄内了。这个时候明兰便以盛老太太的名义跟随林噙霜一起来到的山庄之内。
她还把之前自己管家时，墨兰送给她的一幅《舐犊情深》的画带了去，把小桃放门口，自己一个人进屋盯着林噙霜看了一会儿，从始至终几乎什么话都说，只是把那幅画展开给林噙霜看了看，结果没多久林噙霜就死了。
难道真的是一幅画就“杀”了林噙霜？
当然不是，林噙霜致死的真正原因是冬荣的那一顿板子。
剧中林噙霜殁了后，王大娘子的侍女来禀告，两人很疑惑怎么这么快就死了，照理说刑罚虽重，但也不至于死。还是侍女一句话“冬荣有着祖传的手艺，一棍子下去皮开肉绽”解答了疑惑。
其实这条线索早在之前就已经埋下了，冬荣能够控制打人的力度，可轻可重。
这冬荣与林噙霜之间没有什么矛盾，相反两人曾经还做过队友，一起谋害卫小娘，赶走周小蝶。
那为何如今要这般使力，将林噙霜直接打的半死，不给她留活路呢？要知道救人一命盛造七级浮屠，更何况还是曾经的队友。
那是因为冬荣看林噙霜已经失势，而且林噙霜还知道自己之前干得肮脏事儿，倘若被说出去了，难保盛家人不会治自己的罪。所以他选择让林噙霜永远地闭嘴，才能保自己安全。
况且，她纵女偷情，在就和盛家撕破脸，主君盛纮也默许了重罚这件事，所以下狠手也是名正言顺。就像《甄嬛传》里的祺嫔，虽然皇上直说贬她为庶人，苏培盛却敢私自下令打死她是一个道理。
那明兰带去的《舐犊情深》在其中到底发挥了什么作用呢？
①画让林噙霜惶恐，害怕明兰的报复
《舐犊情深》背后有这样的一个故事：在曹操进攻刘备的时候，夏侯淳询问起口令，曹操随口说了一句“鸡肋”。杨修认为这是退兵的意思，没想到是曹操的计策，为了只是找个杀杨修的借口。后来看见骨瘦如柴的杨修父亲杨彪，杨彪表示这是“舐犊之爱”。
林噙霜自以为看透了明兰，但实际上她看到的只是明兰的伪装。明兰这么多年来一直都在林噙霜面前伪装，林噙霜以为自己曹操，其实明兰才是曹操。
她早就知道了林噙霜暗中杀害自己小娘的事情，可是这么多年来，她却隐忍不动，一直没有报复林噙霜和墨兰，甚至于把嫁入伯爵府的机会故意让给墨兰。想到这一切，林噙霜心中自然惶恐。惶恐于明兰这么多年的隐忍和心智，也惶恐于明兰是不是会报复自己和墨兰。
时时刻刻活在这样的惶恐之中，林噙霜心情自然不好，也就不能够好好养伤，加速了她的死亡。
②画让林噙霜担忧，尤其在现在没有了靠山
在林噙霜使用计谋的时候，就已经和盛家撕破了脸皮。和盛纮断了情爱，也就意味着在盛家没了靠山，只能处于孤立无援的状态。她唯一能够指望的就是嫁到伯爵府做大娘子的墨兰了。
然而此时明兰却拿来了自己之前送给她的《舐犊情深》图。结合这幅图背后的故事含义，那么林噙霜便明白了墨兰的婚姻有问题的，否则明兰氏绝对不肯让与墨兰的。
所以此时的墨兰已经是自身难保了，又怎么会顾得上在家中受到处罚的林噙霜呢？此时的林噙霜已经是没有退路了，也没有路可以走了，只能够在这山庄之中孤独终老。
林噙霜虽然是一个心思狠毒的女人，但她对自己的孩子都是实打实的疼爱。她所作的一切都是为孩子而谋划，如今自己的谋划竟然既害了女儿墨兰，也害了自己，所以林噙霜难过。
终日在对于自己女儿的愧疚，对自己未来的无望，以及对墨兰的担忧之中，林噙霜度过了自己人生最后的阶段。此时她的无助，难过，不知所措都在无形之中加剧林噙霜的伤势，最终导致林噙霜死亡。
画它本身不会“杀”人，真正杀人的是明兰对林噙霜使得诛心之法。她让林噙霜在惶恐与担忧中加速消耗自己，直至油尽灯枯。
